Magazine Mc Fly S04 E01 2019-03-21

Capítulo uno de la cuarta temporada del programa online por excelencia del séptimo arte, la buena música y la mejor onda en esta nueva EDICION 2019...

Estuvimos escuchando la mejor música, entrevistas y compartiendo esta información:
Alien celebrará sus 40 años con seis cortos - Anunciaron la oferta de la Sala Leopoldo Lugones - TGSM para 2019 - La precuela de Los Soprano tiene título y fecha de estreno - Convocatoria Festival Internacional de Cine Universitario FICU 2 - The Batman se filmaría a fines de año - Conferencia de prensa y presentación del BAFICI 21 - Brad Pitt y Leonardo DiCaprio en el primer teaser/trailer de la nueva de Tarantino - Se estrena el documental Chaco, de Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini - Lamentablemente The Meg 2 ya está siendo escrita - The Expendables 4 finalmente se concretaría - En octubre continuará la historia de Bird Box con una nueva novela.

Y las entrevistas a:
- Hugo Colombini, director de “Impresiones obreras”
- Luis Hitoshi Diaz, presenta “Heroxs del 88” en el BAFICI 21 - Funciones confirmadas: JU 4, Multiplex Belgrano 6, 22.40 y VI 5, Multiplex Belgrano 6, 17.15
- Javier Porta Fouz, director artístico del BAFICI

Y hablando de los estrenos de esta semana:

- Batman
- Como flechas
- El cisne
- Impresiones obreras
- La feliz. Continuidades de la violencia
- Nosotros
- Un ladrón con estilo
- Un lugar en el tiempo
- Yo no me llamo Rubén Blades
- Yo, mi mujer y mi mujer muerta

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Ciclo de Tim Robbins en La Lugones

Desde este miércoles hasta el martes 10 de abril, la sala Lugones (Av. Corrientes 1530, Capital Federal) presenta un ciclo llamado “Esperando a Tim Robbins”. Tendremos la posibilidad de ver 4 películas, como director actor.

Acá les dejo los días y horarios de las películas:

Miércoles 4

-Sueños de libertad (The Shawshank Redemption; EE.UU., 1994). Dirección: Frank Darabont. Con Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton. En 1947 Andy Dufresne, un banquero de la ciudad de Maine, es condenado a cadena perpetua por el asesinato de su esposa y su amante, en la prisión de Shawshank. Con el correr de los años conseguirá ganarse la confianza del director del centro y el respeto de sus compañeros de prisión, especialmente de Red, el jefe del contrabando dentro de los muros de la prisión. A las 14:30, 18:00 y 21:00 (142’, Blu-ray).

Sábado 7

-Las reglas del juego (The Player; EE.UU., 1992) Dirección: Robert Altman. Con Tim Robbins, Greta Scacchi, Fred Ward. Griffin Mill es el ejecutivo de un estudio cinematográfico de Hollywood, responsable de aceptar o rechazar los guiones de potenciales películas. Con su carrera en peligro y la inminente posibilidad de ser reemplazado por un rival en ascenso,

Griffin encuentra su vida amenazada por un guionista anónimo cuyo guión rechazó un tiempo atrás. Inmerso en una red de chantaje y asesinato, Griffin debe evadir la investigación policial que él mismo causó. A las 14:30, 18:00 y 21:00 (124’, Blu-ray).


Domingo 8 y lunes 9

-Mientras estés conmigo (Dead Man Walking; EE.UU./Reino Unido, 1995) Dirección: Tim Robbins. Con Susan Sarandon, Sean Penn, Robert Prosky. Matthew Poncelet, un hombre condenado a la pena capital por el asesinato de dos adolescentes, reclama desde la prisión la ayuda de la hermana Helen Prejean. Durante la semana previa a la fecha fijada para la ejecución, la hermana intentará que su condenado consiga la absolución y la paz espiritual. Sin embargo, en esta nueva ocupación, la hermana Helen sentirá una profunda inquietud no sólo por la espantosa agonía que supone la cuenta atrás, sino también por las familias de las víctimas. A las 14:30, 18:00 y 21:00 (122’, Blu-ray).

Martes 10

-Río místico (Mystic River; EE.UU., 2003) Dirección: Clint Eastwood. Con Sean Penn, Tim Robbins, Kevin Bacon. Jimmy, Dave y Sean crecieron juntos en un peligroso distrito de Boston. Nada importante parecía ocurrir en su barrio, hasta que Dave se vio obligado a tomar un rumbo que cambiaría las vidas de todos ellos para siempre. Veinticinco años más tarde, los tres vuelven a encontrarse debido a otro acontecimiento de gran trascendencia: el asesinato de la hija de

Jimmy. A Sean, que se ha hecho policía, le asignan el caso y deberá encargarse de desenredar este crimen aparentemente sin sentido. A las 14:30, 18:00 y 21:00 (138’, Blu-ray).

Fuente: Visiondelcine

CIERRE DE TEMPORADA EN LA SALA LEOPOLDO LUGONES - GRATIS

En el marco del Cierre de Temporada, el Complejo Teatral de Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina exhibirán en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530) tres películas emblemáticas de la programación de la sala durante la temporada 2011: El estudiante, La vida útil y Los labios. Las tres tuvieron importantes premios internacionales, excelentes críticas y muy buena respuesta de público. Y se podrán volver a ver el sábado 10 y domingo 11 de diciembre, con entrada gratuita, como todos los espectáculos del CTBA.  

Las localidades se retirarán en la boletería , a razón de dos por persona, desde dos horas antes del comienzo de cada función.

La agenda es la siguiente:

Sábado 10:

Los labios
(Argentina; 2010)
Dirección: Santiago Loza.
Guión: Santiago Loza e Iván Fund.
Producción: Iván Eibuszyc, Santiago Loza, Iván Fund.
Con Eva Bianco, Victoria Raposo, Adela Sánchez, Raul Lagge.
“Los labios no es un poco de Loza + un poco de Fund, sino una
película en la que –el juego de palabras es demasiado tentador para
no probarlo– Fund tiende a fundirse con Loza, en la misma medida
en que ambos se funden con lo real. Si las primeras imágenes de
las protagonistas al encontrarse en la terminal de ómnibus y el viaje
posterior tienen un aire documentalista, a partir del momento en que
ponen pie en suelo santafesino estos tres personajes de ficción pisan
decididamente terreno documental.” (Horacio Bernades en Página/
12).
Premio a la mejor interpretación para sus actrices Adela Sánchez,
Eva Bianco y Victoria Raposo en la Quincena de los Realizadores del
Festival de Cannes 2010.
A las 14.30 horas (100’; 35mm.)

El estudiante
(Argentina; 2011)
Guión y Dirección: Santiago Mitre.
Productores: Agustina Llambi Campbell, Santiago Mitre y Fernando
Brom.
Con Esteban Lamothe, Romina Paula, Valeria Correa y Ricardo
Félix.
“Como Pizza, birra, faso, Mundo grúa o Historias extraordinarias, la
película de Mitre es un hito del joven cine argentino. En este caso, 
porque habilita la entrada de un cineasta de esta generación a un
universo que parecía vedado: poder conjugar ese ya dominado
realismo cotidiano con una historia atrapante, tipo thriller, donde las
piezas y los elementos funcionan a la perfección. (…) El estudiante
es una película de iniciación, de aprendizaje. Es sumergirse en un
mundo extraño hasta aprender a dominarlo” (Diego Lerer en Clarín).
Premio especial del jurado en el Bafici 2011 y Festival de Locarno
2011.
A las 18 horas (110’, digital)

La vida útil
(Uruguay / España; 2011)
Dirección: Federico Veiroj.
Guión: Inés Bortagaray, Gonzalo Delgado, Arauco Hernández y
Federico Veiroj.
Producción: Cinekdoque – Federico Veiroj
Con Jorge Jellinek, Manuel Martínez Carril, Paola Venditto.
“Estoy convencido: unas de las grandes películas del año es La
vida útil, la segunda película de Federico Veiroj, el director de
Acné. Se trata de un salto cualitativo en su carrera. Después de su
primera y correcta opera prima, llega esta película insólita que no se
parece a nada. Es un film libre, cinéfilo, feliz, triste, bohemio, fino,
inclasificable. No tiene ni un plano de más, y su relato fluye como
pocos” (Roger Alan Koza en Con los ojos abiertos).
Selección oficial Toronto International Film Festival 2010.
A las 21 horas (67’; 35mm.)
Domingo 11:
El estudiante
(Argentina, 2011)
Guión y Dirección: Santiago Mitre
Productores: Agustina Llambi Campbell, Santiago Mitre y Fernando
Brom
Con Esteban Lamothe, Romina Paula, Valeria Correa y Ricardo
Félix.
A las 14.30 horas (110’, digital)

La vida útil
(Uruguay/ España; 2011)
Dirección: Federico Veiroj.
Guión: Inés Bortagaray, Gonzalo Delgado, Arauco Hernández y
Federico Veiroj.
Producción: Cinekdoque – Federico Veiroj
Con Jorge Jellinek, Manuel Martínez Carril, Paola Venditto.
A las 18 horas (67’; 35mm.)

Los labios
(Argentina; 2010)
Dirección: Santiago Loza.
Guión: Santiago Loza e Iván Fund.
Producción: Iván Eibuszyc, Santiago Loza, Iván Fund.
Con Eva Bianco, Victoria Raposo, Adela Sánchez, Raul Lagge.
A las 21 horas (100’; 35mm.)

NUEVO ENCUENTRO CON EL CINE DANÉS - Seis films inéditos en Argentina, en la Sala Leopoldo Lugones

Comercio y la Fundación Cinemateca Argentina, en colaboración con el Danish Film Institut y la Real Embajada de Dinamarca, han organizado un Nuevo encuentro con el cine danés (último ciclo de 2011), que se llevará a cabo del martes 29 de noviembre al domingo 4 de diciembre en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530). La temporada 2012 de esta sala comenzará el 27
de enero.
La muestra -que actualiza las exitosas versiones realizadas en los dos años anteriores-está integrada por seis films inéditos en Argentina, pertenecientes a la producción más reciente y valiosa del cine hecho en Dinamarca, en copias enviadas especialmente por el Danish Film Institute. Se verán películas de ficción, documentales y de animación.
El ciclo incluye títulos reconocidos internacionalmente, como Armadillo (Grand Prix de la Semana de la Crítica del Festival de Cannes 2010) y Labrador (selección oficial Festival de Cannes 2011).

La agenda completa es la siguiente:

Martes 29:


¿Cómo estás?
(How Are You; Dinamarca, 2011)
Dirección: Jannik Splidsboel.
Con Michael Elmgreen, Ingar Dragset.
Los artistas Michael Elmgreen e Ingar Dragset han trabajado juntos
en happenings, instalaciones y otras activas prácticas artísticas desde
mediados de los noventa y han recibido atención mundial por sus
manifestaciones sobre sexo, identidad y relaciones de poder. ¿Cómo
estás? ofrece una visión completa sobre los proyectos del dúo y sus
colaboraciones a lo largo de los años, desde su primer encuentro en
1995 cuando los dos se unieron privada y profesionalmente para lanzar
su primer trabajo, Instant Baby, hasta la apertura de la exposición The
Collectors, en la Bienal de Venecia 2009.
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (70’; digital)

Miércoles 30:

Armadillo
(Dinamarca, 2010)
Dirección: Janus Metz.
Mads y Daniel se preparan para realizar su primera misión en Helmand,
Afganistán. Su pelotón está en el campamento Armadillo, en la frontera
de Helmand, luchando contra los talibanes. Los soldados están ahí
para ayudar a los afganos, pero a medida que la lucha se hace más
dura y las operaciones más densas, Mads, Daniel y sus amigos se
tornan cínicos, ampliando la brecha entre ellos y la civilización afgana.
La desconfianza y la paranoia serán la causa de la alienación y el
desencanto.
Gran Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes 2010.
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (101’; digital).


Jueves 1º:

La buena vida
(Det gode liv; Dinamarca, 2010)
Dirección: Eva Mulvad.
Dos mujeres, madre e hija, viven en las soleadas costas de Portugal.
Han sido muy saludables toda su vida y han disfrutado de “la buena
vida”. Sólo placeres y una total ausencia de trabajo. Ahora, sin embargo,
tienen un gran problema. Su riqueza se ha terminado. ¿Cómo hacer
frente a una vida de pobreza cuando se ha nacido en la riqueza? ¿Cómo
se arreglarán para conseguir un trabajo y mantenerlo, cuando nadie en
su familia ha trabajado nunca? ¿A quién culpar ahora que la dulce y
soñada vida se ha transformado en una pesadilla?
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (86’; digital)

Viernes 2:

Payaso
(Klovn - The Movie; Dinamarca, 2010)
Dirección: Mikkel Nørgaard.
Con Frank Hvam, Casper Christensen, Iben Hjejle.
Frank descubre que su novia está embarazada. Mia no se lo ha dicho
aún porque -con fundamentos- tiene dudas sobre su potencial como
padre. En un intento de demostrar a Mia que puede ser un buen padre,
Frank insistirá en llevar a su sobrino a un viaje en canoa que tenía
planeado con su amigo Casper.
Este film es una versión de una popular serie de televisión
protagonizada por los comediantes de stand-up y protagonistas de esta
película, Casper Christensen y Frank Hvam.
A las 14.30, 19.30 y 22 horas (90’; 35mm.)

El gran oso
(Den kæmpestore bjørn; 2011)
Dirección: Esben Toft Jacobsen.
Con las voces de Markus Rygaard, Alberte Blichfeldt, Flemming, Quist
Møller.
Uno de los mejores films de animación del cine europeo reciente.
Jonathan, de 11 años, suele pasar sus vacaciones solo con su abuelo,
que vive en el límite de un gran bosque poblado de míticos animales.
Este año su hermana más chica Sophie irá con él. Pero no es divertido
estar obligado a pasar las vacaciones con su hermanita pequeña, así
que él hará lo que pueda para evitarla. Su plan tiene éxito: Sophie
es secuestrada por un gigante, un oso de mil años de edad. Ahora,
Jonathan tendrá que aventurarse al corazón del bosque para confrontar
las extrañas criaturas que vagan por ahí y rescatar a su hermana.
Selección oficial Berlinale 2011.
Función especial auspiciada por Expotoons
A las 17 horas, entrada gratuita (73’; digital)


Sábado 3:

No hay función.

Domingo 4:

Labrador
(Labrador; 2011)
Dirección: Frederikke Aspöck.
Con Carsten Bjornlund, Stephanie Leon y Jakob Eklund.
Una isla desolada y ventosa. Stella y Oskar, una pareja joven, visitan
al padre de Stella, Nathan, quien lleva una vida solitaria en compañía
de su perro labrador. Stella está embarazada y feliz de tener un niño.
Oskar, por su lado, parece dudar. Cuando Oskar se convierte en
el centro de las provocaciones de Nathan y se siente turbado por
la relación padre-hija, un enfrentamiento entre los dos hombres es
inevitable. Y Stella está en el medio.
Selección Oficial del Festival de Cannes 2011.
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (72’, digital)

Informamos que las localidades para la Sala Leopoldo Lugones podrán adquirirse
personalmente con seis días de anticipación (incluyendo el día de la función) en las
boleterías del Teatro San Martín.
Precio de las localidades en la Sala Leopoldo Lugones $ 12.- Estudiantes y jubilados
$ 5.- (Los interesados deberán tramitar su credencial de descuento en el 4° piso
del Teatro San Martín, de lunes a viernes de 10 a 16 horas.)

Homenajean a Godard y al cine francés

Dominique Païni, ex director de la Cinématèque française y director del Departamento de Desarrollo Cultural del Centro Pompidou entre 2000 y 2005 llegará a la Argentina la semana próxima para programar un ciclo de cine sobre Jean Luc Godard y cine francés contemporáneo y realizar un seminario.

El ciclo, que llevará por título Cine y arte contemporáneo: Païni presenta a Godard, se llevará a cabo con funciones diarias entre el lunes 25 y el domingo 31 de octubre en la sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Corrientes 1530).

La muestra, compuesta por nueve filmes especialmente seleccionados por Paini, incluye títulos de realizadores como Godard, Jean-Marie Straub y Danièle Huillet, Jean-Paul Fargier y Alain Fleischer, Nicolas Philibert, Alain Resnais y el realizador malayo Tsai Ming-liang, muchos de los cuales versan sobre el director de "Alphaville" y "Sin aliento".

Además, Paini ofrecerá un seminario organizado por el Espacio Fundación Telefónica, donde realizará una reflexión sobre el audiovisual y el arte contemporáneo, analizando en detalle la significación de las dos exposiciones que Jean-Luc Godard realizó en el Centro Pompidou en 2006 y 2008.

La programación del ciclo es la siguiente: el lunes 25 se verá "Godard/Sollers: la conversación" (1984), de Jean-Paul Fargier, que discute sobre la figura de la Virgen María a propósito del estreno de "Yo te saludo, María"; el martes 26 se proyectará "Fragmentos de conversaciones con Jean-Luc Godard" (2007), de Alain Fleischer, que incluye diálogos que se realizan mientras Godard pretpara una monumental muestra en el Centro Pompidou en 2006.

El jueves 28 se exhiben "Reportaje amateur" (2006), de Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville, en la cual el propio Godard efectúa una visita durante el armado de la exposición “Collages de Francia”; y "Una visita al Louvre" (2004), de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet.

El viernes 29 se verá "La ville Louvre" (1990), de Nicolas Philibert, que sigue el montaje de una muestra en el museo parisino; "The Skywalk in Gone" (2002), de Tsai Ming-liang; y "Pecado negro", de Jean-Marie Straub y Danièle Huillet.

El sábado 30 se proyectarán "Canciones de amor" (2007), de Christophe Honoré, una comedia musical urltramoderna; mientras que el ciclo cierra el domingo 31 con la última película de Resnais, "Las hierbas salvajes" (2009).

Fuente: Elargentino

TEATRO SAN MARTÍN: TUTTO FELLINI!

Retrospectiva integral en la Sala Leopoldo Lugones:
23 films en copias nuevas en 35mm
enviadas especialmente por Cinecittà Holding desde Roma.

El Complejo Teatral de Buenos Aires, el Instituto Italiano de Cultura y la Fundación Cinemateca Argentina han organizado la muestra Tutto Fellini!, una retrospectiva integral de la obra del genial cineasta italiano, que se llevará a cabo del viernes 10 de septiembre al viernes 1º de octubre, en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530). El ciclo -que llega por primera vez a América latina después de su paso por la Cinémathèque Française, entre otras cinematecas europeas- estará integrado por 23 films en copias nuevas en 35mm enviadas especialmente desde Roma por Cinecittà Holding.

“No puedo ser objetivo ante mis films por una razón muy simple: no me considero un director profesional, es decir cuyos films sean sólo la expresión de un hombre que ejerce un oficio. Creo que soy un narrador de historias. Filmo porque me gusta contar mentiras, inventar historias y contar cosas que vi, personajes que conocí. Sobre todo, me gusta contarme a mí mismo. En definitiva, filmo contando elementos de mi vida, con tal sinceridad que a veces llego a la indiscreción, y mis confesiones amenazan con producir catástrofes, porque resultan excesivas e incluso hasta inoportunas”.
Federico Fellini (1920-1993)
La agenda completa del ciclo es la siguiente:

Viernes 10: Luces de varieté
(Luci del varietà; Italia, 1950)
Dirección: Federico Fellini y Alberto Lattuada.
Con Peppino de Filippo, Carla del Poggio, Giulietta Masina.
Un cómico hambriento, lastimoso y fanfarrón dirige una compañía de teatro de variedades que recorre las provincias italianas y da pobres espectáculos recreativos. El primer largometraje en la carrera de Fellini, co-dirigido por el ya establecido realizador Alberto Lattuada “trata de capturar la atmósfera de los shows de variedades, un tema cercano al corazón de Fellini desde sus días de periodista. Pero esas ‘luces’ comenzaban a apagarse: el mundo del avanspettacolo estaba desapareciendo…” (Tullio Kezich, Fellini, His Life and Work).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (93’; 35mm)

Sábado 11: El jeque blanco
(Lo sceicco bianco, Italia, 1952)
Dirección: Federico Fellini.
Con Alberto Sordi, Brunella Bovo, Leopoldo Trieste.
Un joven matrimonio provinciano viaja a Roma. Más que un viaje de bodas es una especie de doble peregrinaje: él, gracias a sus relaciones vaticanas, quiere ver al Papa; ella, al Jeque blanco (el inefable Sordi), un héroe de fotonovelas. El segundo largometraje de Fellini marca la primera y fructífera colaboración del realizador con el compositor Nino Rota.
“El jeque blanco, con su humorismo, su sátira ligera, su diestra mezcla de las aventuras de Wanda y las de su esposo, cuando va en busca de ella, no acertaba con el estado de ánimo predominante en el momento del estreno. Transcurrido el tiempo, ha resultado claro que los críticos sencillamente perdieron el tren en lo referente a esta pequeña obra maestra”. (Hollis Alpert, Fellini)
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (92’; 35mm)

Domingo 12: Los inútiles
(I vitelloni; Italia/Francia, 1953)
Dirección: Federico Fellini.
Con Franco Interlenghi, Alberto Sordi, Leopoldo Trieste.
“No era sólo el ambiente de la provincia italiana lo que atraía a Fellini en el tema de este film. Era la oportunidad de recrear artísticamente los recuerdos, las obsesiones y los episodios significativos de su juventud, la visión a un mismo tiempo cercana y superior que de esa provincia podía tener, con una mezcla de compasión y de burla, de quien había superado esa etapa. Era una autobiografía con un sentido (…) Igual que en posteriores personajes de Fellini, bajo el ocio, la frivolidad y la alegría se esconde allí una íntima amargura, una búsqueda metafísica de algo por qué vivir” (Homero Alsina Thevenet, El País).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas. (107’; 35mm)

Lunes 13: No hay función

Martes 14: La strada
(Italia, 1954)
Dirección: Federico Fellini.
Con Anthony Quinn, Giulietta Masina, Richard Basehart.
“La strada es una obra que supone por parte de su autor, además del genio de la expresión, un perfecto conocimiento de algunos problemas espirituales y una reflexión sobre ellos. En efecto, este film trata de lo sagrado. (…) Fellini descubre y revela esa necesidad fundamental de la actividad sagrada, en los seres más frustrados y más pobres que pueden encontrarse en este mundo, sólidamente constituido desde el punto de vista social. Tiene razón. Cervantes también sabía que los seres más metafísicos son aquellos que no comen” (Dominique Aubier, Cahiers du Cinéma).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (108’; 35mm).


Miércoles 15: El cuentero
(Il bidone; Italia/Francia, 1955)
Dirección: Federico Fellini.
Con Broderick Crawford, Giulietta Masina, Richard Basehart.
“De estos cuenteros, Fellini ha dicho que eran Los inútiles envejecidos. La fórmula define perfectamente a los estafadores mediocres, cuyo talento no va más allá de imaginar un modesto timo, incapaces de enriquecerse, como ese antiguo compinche convertido ahora en traficante de drogas, que los invita a una fiesta en su lujoso departamento. Fellini hace un constante análisis de la soledad y la angustia humanas y ha querido, sin duda, dentro de las posibilidades simbólicas de una secuencia donde el realismo es más agudo, construir una imagen del infierno, demasiado ardiente para que esos pobres diablos puedan mantener vivo el fuego durante mucho tiempo” (André Bazin, Cahiers du Cinéma).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (112’; 35mm)

Jueves 16: Las noches de Cabiria
(Le notti di Cabiria; Italia/Francia, 1957)
Dirección: Federico Fellini.
Con Giulietta Masina, François Périer, Amedeo Nazzari.
“Cabiria es una prostituta cándida y voluntariosa, incluso agresiva, celosa de una dignidad personal que su condición vuelve perpetuamente frágil. Un hombre intentó ahogarla por dinero, sus compañeras de oficio la escarnecen, un célebre comediante la humilla después de haberle hecho contemplar la suntuosa vanidad de un lujo fabuloso”. (Gilbert Salachas en Fellini)
“La primera imagen, no sólo digna de Chaplin sino equivalente a sus más hermosos hallazgos, es la última de Las noches de Cabiria, cuando Giulietta Masina se vuelve hacia la cámara y su mirada atraviesa la nuestra. Creo que, en la historia del cine, sólo Chaplin supo hacer un uso sistemático de ese gesto, condenado por todas las gramáticas del cine. (…) Invitación pudorosa, discreta, suficientemente incierta como para pensar que se dirige a cualquier parte; suficientemente cierta y directa también para arrancarnos de nuestra posición de espectadores” (André Bazin, Cahiers du Cinéma).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas. (117’; 35mm)

Viernes 17: La dolce vita
(Italia/Francia, 1960)
Dirección: Federico Fellini.
Con Marcello Mastroianni, Anita Ekberg, Anouk Aimée.
“Utilizando una estructura no lineal, postales de una vida en crisis, Fellini deja definitivamente de lado las influencias neorrealistas para centrarse en los estados mentales de sus criaturas, quienes exudan su interior y empapan la apariencia de todas las cosas. Está Marcello, el periodista cholulo con ínfulas de literato, pero a su alrededor también pululan decenas de personajes decrépitos y hermosos, extremos, grotescos, intentando sobrellevar una existencia que no logran comprender y mucho menos manejar. Lo de la Ekberg en la fuente es apenas anecdótico, casi superfluo. La esencia es la tristeza, que Fellini deja fluir a lo largo de tres horas, sin demasiada altisonancia pero con una fuerza ineludible” (Diego Brodersen, El Amante/Cine).
A las 13.30, 17 y 20.30 horas (180’; 35mm)
Atención al horario, dictado por la duración del film.

Sábado 18: Fellini Ocho y medio
(8 1/2; Italia/Francia, 1963)
Dirección: Federico Fellini.
Con Marcello Mastroianni, Sandra Milo, Claudia Cardinale.
“Se ha escrito que Ocho y medio es un film autobiográfico. Soy siempre autobiográfico, ¡incluso si me pongo a contar la vida de un pez! Y, sin embargo, estoy dispuesto a declarar que ese film es una obra de imaginación: entre todos los que hice, es el film que menos se refiere a menudos hechos personales. Puse en él tantas cosas oídas como cosas imaginarias. (…) Entonces, ¿qué es Ocho y medio? Tal vez sea, en el fondo, simplemente, el relato de un film que no he realizado” (Federico Fellini).
A las 14.30, 18 y 21 horas (138’; 35mm).

Domingo 19: Julieta de los espíritus
(Giulietta degli spiriti; Italia/Francia, 1965)
Dirección: Federico Fellini.
Con Giulietta Masina, Sandra Milo, Valentina Cortese.
“Julieta es una ama de casa, materialmente colmada, que vive en una vivienda suntuosa con dos sirvientas, un marido abúlico y distante al que ama ingenuamente, con padres y amigos que la visitan de tanto en tanto. La revelación de la supuesta infidelidad de su marido desencadena en ella un mecanismo de auto-defensa bastante complejo, hundiéndose en un universo acolchado de recuerdos, de fantasmas, de deseos y tentaciones”. (Gilbert Salachas en Fellini)
“Hay que hablar de la mujer para tratar de liberar a la mujer de la invención que el hombre ha hecho de ella. No considerar a la mujer como algo oscuro que tiene que ver con uno mismo, sino darle a ella la posibilidad de desarrollarse en el plano personal” (Federico Fellini).
A las 14.30, 18 y 21 horas (137’; 35mm)

Lunes 20: Fellini Satiricón
(Fellini - Satyricon; Italia/Francia, 1969)
Dirección: Federico Fellini.
Con Martin Potter, Hiram Keller, Max Born.
En la Roma del siglo I después de Cristo, dos estudiantes, Encolpio y Ascilto, discuten sobre su propiedad sobre el adolescente Gitone. El niño escoge a Ascilto. Sólo un terremoto salva a Encolpio del suicidio. A partir de entonces, Ascilto vivirá una serie de aventuras y desventuras para conocer nuevos amores.
“Al presentarnos esta alucinante colección de caras devastadas, Fellini puede pretender con todo derecho no haber traicionado su modelo. Ese mundo pagano, para él, es ante todo un mundo sin Dios” (Claude Veillot).
“En realidad, si mi film es sombrío es porque los romanos no tenían electricidad. Hago un film sin luz y se me dice que he querido deplorar la ausencia de Dios” (Federico Fellini).
A las 14.30, 18 y 21 horas (128’; 35mm)

Martes 21: Los payasos
(I clowns; Italia/Francia/Alemania Federal, 1970)
Dirección: Federico Fellini.
Con Pierre Etaix, Anita Ekberg, Federico Fellini.
Realizado para la RAI, Los payasos es un documental en el que Fellini rinde un homenaje al desprestigiado arte de los payasos. Dividida en varias partes, incluye entrevistas con payasos muy famosos que fueron olvidados, escenas de la infancia del propio director, razonamientos sobre su obsesión por el circo y un tributo final a los propios payasos.
“Con Los payasos Fellini ha logrado -siguiendo su habitual búsqueda introspectiva- triunfar sobre las limitaciones de una producción por encargo”. (Frédéric Vitoux, Positif).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (92’; 35mm)

Miércoles 22: Roma
(Italia/Francia, 1972)
Dirección: Federico Fellini.
Con Stefano Majore, Peter Gonzales Falcon.
“No es ésta una visión de Roma a través del lente del pasado histórico, sino a partir de la propia biografía de Fellini. Una narración completamente discontinua estructurada por lo recuerdos de esa ciudad desde tres perspectivas diferentes: la Roma que Fellini recuerda como un joven estudiante en la pequeña ciudad de Rimini y durante sus visitas al cine, la Roma que descubrió al mudarse allí en 1939 y la pintura ‘objetiva’ de una Roma contemporánea que surge al rodar un documental sobre la Ciudad Eterna. (…) La Roma de Fellini es una ciudad de ilusiones y de mitos” (Peter Bondanella).
A las 14.30, 18 y 21 horas. (128’; 35mm)

Jueves 23: Amarcord
(Italia/Francia, 1973)
Dirección: Federico Fellini.
Con Pupella Maggio, Bruno Zanin, Armando Brancia.
“La gravitación de la pequeña ciudad romagnola, solar natal de Fellini, despuntó de diversas maneras en sus films: en Los inútiles, como el ambiente provinciano en el que una barra de muchachones viven sus correrías rutinarias; fue también el fondo de su universo circense, principalmente en I clowns (Los payasos), y del desfile provinciano de Amarcord. Pero lo interesante, es que FF nunca filmó en Rimini, adonde, ya en su etapa de cineasta consagrado, apenas si volvía: ‘Yo, a Rimini no vuelvo de buena gana -decía-. No logro considerar a Rimini como un hecho objetivo. Es, sobre todo, y solamente, una dimensión de la memoria’…” (Néstor Tirri, Habíamos amado tanto a Cinecittà)
A las 14.30, 18 y 21 horas (123’; 35mm)

Viernes 24: El Casanova de Fellini
(Il Casanova di Federico Fellini; Italia/EE.UU., 1976)
Dirección: Federico Fellini.
Con Donald Sutherland, Tina Aumont, Cicely Browne.
“Seguramente el mundo esperaba otra cosa de Fellini al adaptar la historia épica del famoso amante del siglo XVIII, y no esta oscura, perturbadora y alienada visión del erotismo. El Casanova de Fellini es deliberadamente uno de los más artificiales florecimientos del estilo claustrofóbico del autor, una obra memorable ayudada por la partitura de Nino Rota y los vestuarios de Danilo Donati” (Jonathan Rosembaum).
A las 13.30, 17 y 20.30 horas (164’; 35mm)
Atención al horario, dictado por la duración del film.


Sábado 25: Ensayo de orquesta
(Prova d'orchestra; Italia/Alemania Federal, 1978)
Dirección: Federico Fellini.
Con Balduin Bass, Clara Colosimo, Elizabeth Labi.
En una capilla medieval romana, una orquesta se prepara para ensayar. Los acompaña un equipo de la televisión. El director es un alemán que insulta a los músicos y los trata realmente mal. Después de un descanso, éstos se rebelarán contra él.
“En Ensayo de orquesta, como en su otro trabajo televisivo, Los payasos, hay una ligereza de tono y una capacidad de síntesis que no es posible encontrar en sus obras mayores. (…) A lo largo de la película, Fellini demuestra suma habilidad para lograr un ensayo brillante y contradictorio: divertido y triste, positivo y desesperado, enojoso y cautivador” (Tullio Kezich).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (70’; 35mm).

Domingo 26: Agencia matrimonial
Episodio del film Amor en la ciudad (Amore in città)
(Agenzia matrimoniale; Italia, 1953)
Dirección: Federico Fellini.
Con Antonio Cifariello.
Un joven periodista, escéptico y aburrido, recibe como castigo realizar un trabajo en una agencia matrimonial. Se hará pasar por un cliente y solicitará una esposa que acepte compartir la vida con uno de sus amigos, quien teóricamente cree ser un hombre lobo.
“Experimento de Fellini en materia de realismo puro -no casualmente el film en cinco episodios fue coordinado por Cesare Zavattini, uno de los principales impulsores del neorrealismo-, Agencia matrimonial fue realizado con estudiantes de cine, a excepción del protagonista, interpretado por un actor profesional” (Hollis Alpert, Fellini). (16’)

Las tentaciones del Doctor Antonio
Episodio del film Bocaccio 70
(Le tentazioni del dottor Antonio; Italia/Francia, 1962)
Dirección: Federico Fellini.
Con Peppino De Filippo, Anita Ekberg, Antonio Acqua.
El Doctor Antonio es un campeón obstinado de la virtud. Pronuncia discursos ante los boy-scoyts y boicotea los quioscos de revistas que exhiben desnudos femeninos. Pero un gigantesco póster publicitario viene a provocarlo justo enfrente de su hogar. Primer film de Fellini en utilizar fotografía en color.
“En su contribución a Bocaccio 70, compuesto de cuatro partes, Fellini encontró una oportunidad de dar rienda suelta a su resentimiento contra la censura. Una revista jesuita había lanzado un violento ataque contra él y llegó al punto de sugerir que habría que encarcelarlo, de modo que él montó un ataque de respuesta” (Hollis Alpert, Fellini). (60’)

Toby Dammit
Episodio del film Historias extraordinarias (Tre passi nel delirio)
(Italia/Francia, 1968)
Dirección: Federico Fellini
Con Terence Stamp, Salvo Randone, Antonia Pietrosi.
Basada en el cuento Nunca apuestes la cabeza con el Diablo, de Edgar Allan Poe.
“Con los cuarenta minutos de Toby Dammit, Fellini nos da una nueva prueba de sus inmensas posibilidades. Al contrario de sus compañeros en este film ómnibus, Vadim y Malle, Fellini no tomó el relato de Poe sino para disponerlo mejor según sus deseos y para no hacer de él otra cosa que un pretexto a fin de evidenciar sus propios fantasmas. De hecho es el único, más allá de las aparentes libertades tomadas con el texto inicial, que encontró equivalencias cinematográficas al genio literario de Poe” (Jean A. Gilli, Cinéma). (37’)

A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (Duración total: 113’; 35mm)

Lunes 27: La ciudad de las mujeres
(La città delle donne; Italia/Francia, 1980)
Dirección: Federico Fellini.
Con Marcello Mastroianni, Anna Prucnal, Bernice Stegers.
“El film se refiere a un hombre que inventa mujeres. Ella es su metáfora, la parte de sí mismo que no conoce y de la cual siente la falta y la necesidad de crear constantes hipótesis nuevas. Busca la parte de sí mismo que es la mujer. Pero resulta claro que no sabe nada acerca de las mujeres; no es capaz de crear, con su imaginación, una sola persona real” (Federico Fellini).
A las 14.30, 18 y 21 horas. (139’; 35mm)

Martes 28: Y la nave va
(E la nave va; Italia/Francia, 1983)
Dirección: Federico Fellini.
Con Freddie Jones, Barbara Jefford, Elisa Mainardi.
En julio de 1914, un barco de lujo zarpa desde Italia con los restos mortales de la famosa cantante de ópera Tetua. El barco está lleno de sus amigos, famosos cantantes de ópera, y todo tipo de gente exótica. La vida a bordo es dulce los primeros días del viaje, pero el tercer día el capitán debe salvar a unos refugiados serbios que se encuentran perdidos en el mar, refugiados que han escapado de los primeros rugidos de la Gran Guerra.
“Éste es un film con tantas gavetas secretas, tan lleno de dobles fondos y sorpresas, que el espectador es llevado más allá de la simple narración de una historia y de un conjunto de símbolos, convirtiéndose en un acto de fe en el cine, por el cine mismo”. (Tullio Kezich).
A las 14.30, 18 y 21 horas (132’; 35mm)

Miércoles 29: Ginger y Fred
(Ginger e Fred; Italia/Francia/Alemania Federal, 1986)
Dirección: Federico Fellini.
Con Giulietta Masina, Marcello Mastroianni, Franco Fabrizi.
“Para comprender en qué nos emociona Ginger y Fred allí donde Berlusconi ya nos deprime, no será inútil emprender un desvío por la historia (del cine). Como todos los cineastas señalados de la posguerra, Fellini tuvo, en tanto que cineasta, la intuición del medio que vendría tarde o temprano a conmover el cine: la televisión. No toda la televisión, sino su parte popular, hecha de juegos y atracciones, a mitad de camino entre la antigua cultura carnavalesca y su pequeño-aburguesamiento de masa. A partir de La dolce vita, es perfectamente posible discernir en la obra felliniana como una anticipación irónica, es decir cínica, de lo que será la programación televisiva. Esta obra, es ya una ‘cadena’, la ‘Fellini Uno’…” (Serge Daney, Libération, 1986).
A las 14.30, 18 y 21 horas (125’; 35mm)


Jueves 30: Entrevista
(Intervista; Italia, 1987)
Dirección: Federico Fellini.
Con Sergio Rubini, Maurizio Mein, Antonella Ponziani.
“Los últimos años de Fellini no fueron felices. A pesar de no poder hallar la financiación necesaria para un número de proyectos sin duda personales, su penúltimo largometraje, Entrevista, lo revela como el mismo genio creativo de 8 ½. El film es un tributo a Cinecittà y al arte de la realización cinematográfica en general, en el cual Fellini se interpreta a sí mismo y donde hacer una película equivale a una metáfora del proceso creativo, sinónimo a su vez de la vida misma. (…). Entrevista es la última palabra de su realizador acerca del arte cinematográfico como ficción, ilusión, expresión personal, artesanía y magia” (Peter Bondanella, A History of Italian Cinema).
A las 14.30, 17, 19.30 y 22 horas (108’; 35mm).

Viernes 1º: La voz de la Luna
(La voce della luna; Italia/Francia, 1990)
Dirección: Federico Fellini.
Con Roberto Benigni, Paolo Villaggio, Nadia Ottaviani.
“El último largometraje de Fellini representa una pintura muy negativa de la cultura italiana al final del siglo XX. Extremadamente sensible a la cultura popular de su país, Fellini creía que los rápidos cambios sociales y económicos que habían tenido lugar en los últimos años, particularmente el ascenso de una forma homogeneizada de medios masivos, habían comenzado a erosionar las virtudes distintivamente italianas de la creatividad y la comunicación humana auténtica. En La voz de la Luna solamente aquellos con alguna forma de enfermedad mental son capaces de escuchar las pequeñas voces de lo inconsciente o subconsciente, para Fellini las únicas fuentes de creatividad artística” (Peter Bondanella).
A las 14.30, 18 y 21 horas (122’; 35mm).



Informamos que las localidades para la Sala Leopoldo Lugones podrán adquirirse personalmente con seis días de anticipación (incluyendo el día de la función) en las boleterías del Teatro San Martín.
Precio de las localidades en la Sala Leopoldo Lugones $ 10.- Estudiantes y jubilados $ 5.- (Los interesados deberán tramitar su credencial de descuento en el 4° piso del Teatro San Martín, de lunes a viernes de 10 a 16 horas.)

Realizan un ciclo sobre Greta Garbo a 20 años de su muerte

El ciclo "Garbo en América", que se compone con 10 largometrajes protagonizados por la notable actriz de origen sueco Greta Garbo, al cumplirse el vigésimo aniversario de su muerte, se llevará a cabo entre el 2 y el 19 de agosto próximo en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín de la ciudad de Buenos Aires.

Organizada por el Complejo Teatral de Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina, la muestra se realizará en la sala ubicada en la avenida Corrientes 1530 y será un homenaje de esta actriz, sinónimo del término "estrella de Hollywood" para varias generaciones.

Nacida en Estocolmo, Suecia, el 18 de septiembre de 1905 bajo el nombre de Greta Lovisa Gustafsson, Garbo sólo adquiriría su nuevo apellido luego del viaje a los Estados Unidos promovido por su mentor, el realizador Mauritz Stiller, quien nunca lograría rodar un largometraje junto a ella en el nuevo destino.

Rápidamente transformada en una de las estrellas de cine más rutilantes del período clásico, la Garbo protagonizaría una serie de largometrajes de tintes románticos, tanto en el período silente como en el nuevo formato de las "películas habladas".

Greta Garbo se retiró de la actuación luego de su último film en el año 1941, iniciando una etapa de ostracismo que la mantendría fuera del alcance de seguidores, fanáticos y periodistas por casi medio siglo, hasta el día de su muerte, el 15 de abril de 1990.

La agenda completa del ciclo es la siguiente: -Lunes 2: "La tierra de todos" (1926), de Fred Niblo, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Martes 3: "El demonio y la carne" (1926), de Clarence Brown, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Miércoles 4: "La dama misteriosa" (1928), de Fred Niblo, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Jueves 5: "Anna Christie" (1930), de Clarence Brown, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Martes 10: "Mata Hari" (1932), de George Fitzmaurice, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Miércoles 11: "Gran Hotel" (1932), de Edmund Goulding, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Jueves 12: "Reina Cristina" (1933), de Rouben Mamoulian, a las 14.30, 17, 19.30 y 22. -Martes 17: "Anna Karenina" (1935), de Clarence Brown, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Miércoles 18: "La dama de las camelias" (1936), de George Cukor, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

-Jueves 19: "Ninotchka" (1939), de Ernst Lubitsch, a las 14.30, 17, 19.30 y 22.

Fuente: Yahoo

Filmes inéditos japoneses sobre marginales llegan a la porteña Sala Lugones

La Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martin -en Avenida Corrientes 1530 de esta capital- albergará un ciclo denominado "Yakuzas, ronins, geishas y otros marginales-Cine japonés desconocido", que se llevará a cabo del martes 13 al jueves 29 de julio.

El ciclo es auspiciado por el Centro Cultural e Informativo de la Embajada de Japón, y está compuesto por diecisiete largometrajes absolutamente inéditos en el país, en copias nuevas en 35 milímetros enviadas especialmente desde Tokio por The Japan Foundation.

Con un promedio histórico de alrededor de 500 largometrajes anuales, la industria de cine de Japón fue, hasta los años 70, la más prolífica en todo el territorio asiático.

Pero con la excepción de un puñado de nombres y títulos canonizados por la historiografía occidental, o bien adorados por una cofradía de fanáticos del cine de género, el grueso de esa vital e inabarcable producción artística permanece oculto a la mayoría de los ojos del mundo.

A partir de una selección guiada por la necesidad del descubrimiento, el ciclo "Yakuzas, ronins, geishas y otros marginales-Cine japonés desconocido" permite conocer algunas joyas ocultas de la historia del cine nipón, al tiempo que acerca una particular historia paralela de ese país a partir del retrato de personajes marginales, descastados o periféricos.

Entre los diecisiete filmes podrán verse dos del maestro Kinji Fukasaku -"Lobos, cerdos y hombres" (1964) y "El cementerio del honor" (1975)-, además de obras de Masahiro Makino, Tai Kato, Tomu Uchida, Satsuo Yamamoto, Hiroshi Inagaki y Eiichi Kudo.

Los horarios de las funciones son 14.30, 17 y 19.30, en la Sala Leopoldo Lugones.

Fuente: Yahoo

"Festival de festivales" en la Sala Leopoldo Lugones

Documental de creación en la Sala Leopoldo Lugones. Films inéditos en Argentina de Olivier Assayas, Pierre Creton y Leila Kilani, entre otros.

El Complejo Teatral de Buenos Aires, la Embajada de Francia y la Fundación Cinemateca Argentina han organizado una muestra denominada Festival de festivales, que se realizará del lunes 5 al domingo 11 de julio en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530), en el marco del 10° aniversario del DocBsAs.
La muestra -de cuya selección participó el crítico y teórico Jean-Louis Comolli-- estará integrada por ocho films inéditos en Argentina que buscan dar a conocer lo mejor de la creación francesa documental contemporánea. Los títulos que integran el programa han sido elegidos por sus participaciones en los grandes festivales de cine documental en Francia: Cinéma du Réel del Centro Pompidou, FID Marseille, Festival International de Programmes Audiovisuels (FIPA) de Biarritz y los Etats Généraux du Film Documentaire de Lussas.

Medida del mundo
por Jean-Louis Comolli

¿Qué puede hacer el cine actualmente? Si es que puede hacer algo, que no sea divertirnos o hacernos soñar con los inaccesibles fetiches del momento presente. Estas preguntas, si es que es necesario planteárselas, hay que hacerlas sin duda a esta parte todavía minoritaria del cine: el "documental". Veamos qué es lo que hay a través de algunos de los documentales elegidos por esta muestra. En estas obras, más allá de los autores, son sus filosofías las que me interesan. El modo en que éstas se traducen y presentan y, por tanto, lo que estos medios formales revelan y cómo exteriorizan estas filosofías. El mundo ha pensado el cine y, a su vez, el cine ha pensado el mundo. Un mundo donde cada vez se mezclan más los espectáculos, justamente.
Los grandes temas están ahí, abordados, atravesados, señalizados, pero, aún así, estamos lejos del periodismo audiovisual. El cine documental, tal y como se hace actualmente, no se puede limitar al reportaje, al magazine, a las formas de información. Muy al contrario, el hecho de compartir los temas o enunciados con el periodismo no hace más que acentuar la divergencia entre estos modos de enunciación. Es necesario convencerse de que --desde los años ochenta-- con el aumento de poder de la información televisada, el cine documental se ha instalado en los terrenos de la ficción cinematográfica, reconciliándose así con Flaherty, Rouch o Perrault. ¿Qué quiere decir aquí "ficción"? Simplemente que se ponen en práctica subjetividades, las que crean las películas, es decir, también las de las mujeres y los hombres que son filmados y que, a través de esta brecha en la que se disipa su dimensión personal, se convierten en personajes por derecho propio.
El término "documental" supone, a su vez, que tiene algo de real para documentar: algún pedazo del mundo, la realidad de una relación, lo singular de una subjetividad, alguna oscuridad, aspereza, brusquedad del mundo. El documental se interesa por la guerra de los hechos y de los relatos como algo real, que tiene lugar en nuestro mundo y durante nuestra vida. Los hechos documentados no son reversibles ni virtuales. Digamos que hay un conflicto en el juego del cine entre la parte del documento y la parte del espectáculo. Al contrario de lo que ocurre en la lógica omnipotente del espectáculo, el gesto documental toma nota del hecho de que no todo es posible en las películas, de que no todo es filmable (por ejemplo, hacer un "documental" sobre los hombres del Neandertal haciendo que unos actores los interpreten). La libertad de creación que nosotros reivindicamos se ve limitada de entrada por la parte del mundo que rechaza o que escapa de la puesta en espectáculo. La práctica documental es una especie de ascesis en la que se acepta estar obligado por la resistencia de los hechos, de las cosas, de los cuerpos, de las situaciones, de las mujeres y los hombres que no están a nuestro servicio, que no se pueden movilizar ni modular a nuestra voluntad: los que entren en nuestras películas no estarán desenfocados.
Tomarse su tiempo, filmar el tiempo que pasa, los silencios, los vacíos, los tiempos muertos, acompañar, hacer un seguimiento, hacer compañía, quedarse con alguien. Ocuparse de lo que permanece vivo del mundo en el que nos encontramos.

Sala Leopoldo Lugones - Retrospectiva Raya Martin

A partir del martes 22 de junio, el Complejo Teatral de Buenos Aires, la Asociación docBsAs y la Fundación Cinemateca Argentina albergarán en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Corrientes 1530), el estreno de Independencia, el notable largometraje del realizador filipino Raya Martin, que tuvo su lanzamiento internacional en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes.

Como marco de las únicas 19 funciones de Independencia, la Sala Lugones presentará una retrospectiva integral de la obra de este joven realizador, autor de una de las obras más originales, radicales y rigurosas del cine contemporáneo. Se verán films inéditos en Argentina, entre ellos el corto Nouvelle Young, que tendrá su estreno mundial en esta muestra.

Para acompañar el ciclo, vendrá especialmente a Buenos Aires Antoine Segovia, productor francés de Raya Martin y Tsai Ming-liang, entre otros directores, y figura central en el movimiento del cine independiente internacional.

-Independencia (77'). Sin dudas, la mejor película de todas las que vi de este prolífico e inclasificable joven maravilla del cine filipino. Tras algunas decepciones que me llevé con Now Showing y con algunos films experimentales que vi en el BAFICI 2008, Independencia me terminó de convencer de que estamos ante un gran director. Este historia de una familia, ambientada a principios del siglo XIX en plena jungla, y en momentos en que el país está a punto de ser invadido por los norteamericanos, "dialoga" con, por ejemplo, la fábula y las tradiciones del Apichatpong Weerasethakul de Tropical Malady y se asemeja en la utilización de fondos pintados a los frescos históricos de Eric Rohmer), pero Independencia no deja de ser una película única, clásica y moderna a la vez, que remite al cine mudo (mayoría de planos fijos en blanco y negro con saltos de luz y movimientos propios de aquel período silente), pero que al mismo tiempo apela en la mitad a un falso documental de época, incluye una animación fantasmagórica casera o se arriesga sobre el final con destellos de color y de pintura. Una larga secuencia con una tormenta de proporciones "bíblicas" quedará entre lo mejor de este Cannes. La película más "accesible" (si ese término puede usarse en el cine de Martin), más narrativa y mejor producida (contó con financiación francesa y apoyo de todo tipo de festivales y fondos europeos) de un director que, ahora sí, encontró cómo seguir contando la historia de su país de una manera bella y singular.

(En junio, viernes 25 y sábado 26, a las 14.30, 17, 19.30 y 22; domingo 27, a las 22. En julio, viernes 2, a las 17 y 22; sábado 3 y domingo 4, a las 14.30, 17, 19.30 y 22).

-Autohystoria (95'). Este film define en poco más de diez rigurosas tomas cómo el eco de una represión pasada puede reverberar con fuerza en el presente de un país como Filipinas. El eco de un pasado de autoritarismo (colonial) y revolución resuena en el horizonte existencial de los ciudadanos del país, también en sus calles y en sus sueños. Martin trabaja siempre sobre distancias precisas, componiendo intensos y extensos planos secuencia con centros de gravedad independientes. Lo que ahora es impresionista, en el siguiente plano es simbólico; lo que aquí grisáceo, allí colorido; las presencias se vuelven personajes; lo que empieza como una línea recta en el presente, pronto se vuelve un círculo en el pasado, para terminar siendo un laberinto atemporal. Y por encima de todo el dolor. El de la muerte de Andrés y Procopio Bonifacio, líderes de la revolución filipina contra el gobierno colonial español, ejecutados por compañeros revolucionarios a finales del siglo XIX. Su sombra en el recuerdo, en los monumentos de Manila y en el sueño de libertad de un pueblo acongojado. El cine de Raya Martin circula sobre una cuerda floja. La suya es una revolución fílmica en toda regla: la reconstrucción (previa demolición) de los puentes que conectan lo sensorial con lo intelectual. Su cine habla tanto a través de las imágenes como mediante los intersticios abismales que las separan. Sus películas aspiran a redefinir la manera en la que entendemos el cine y su objetivo final es depositar en nuestros corazones la frustración de una nación adolorida. Una ambición tan desmesurada como admirable. Una lucha que sólo corre el riesgo de volverse demasiado críptica. De las maravillas que nos ha entregado Raya Martin hasta la fecha, prefiero la reinvención histórico-fílmica de A Short Film about the Indio Nacional que la abstracción intemporal de Autohystoria. Martin está todavía a unos cuantos pasos de Apichatpong Weerasethakul.

-Autohystoria. Este filipino de veintipico fue el gran descubrimiento del BAFICI 2007. Sus películas muestran a un cineasta maduro y vanguardista de un país cuya cinematografía desconocemos, pero que viene haciendo cada vez más ruido en los festivales internacionales. Esta película, rodada en material precario y peor proyectada, cuenta en diez planos la historia de un país, el presente del mundo y el estado del cine. La batahola que se armó durante la proyección entre los cinéfilos y los analfabetos cinematográficos fue violenta pero muy divertida. Todavía el cine puede escandalizar.

(Jueves 24, a las 14.30, 17, 19.30 y 22)

-Una película corta acerca del Indio Nacional (A Short Film About the Indio Nacional (or The Prolonged Sorrow of Filipinos) / Maicling pelicula nañg ysañg Indio Nacional, 2005, 96’). Luego de un prólogo con diálogos y en color, la película narra en largos planos fijos, en 35 milímetros, sin sonido (con intertítulos propios del cine mudo) y en blanco y negro, historias ligadas con los Katipuneros, integrantes de un grupo guerrillero independentista que luchó contra la dominación española a fines del siglo XIX (alrededor de 1890). Martin se atreve a desafiar todos los códigos y hasta se anima a incluir alguna (precaria) animación.

(Miércoles 23, a las 14.30, 17, 19.30 y 22; y viernes 2, a las 14.30 y 19.30)

-Manila (2009, 90'). Dirección: Raya Martin y Adolfo Alix Jr. Film homenaje que toma como referencia el cine filipino realizado en los años 70 y 80. Ambas historias de este díptico están protagonizadas por el actor Piolo Pascual. El primer segmento, dirigido por Martin, está inspirado en Manila de noche, de Ishmael Bernal. En él William, un drogadicto, trata de conectarse nuevamente con la gente cercana. Lentamente, mientras la noche va cayendo, descubre que no hay nadie en quien confiar, ni siquiera en él mismo. En el segundo segmento, basado en Jaguar, de Lino Brocka, el actor interpreta a Philip, un guardaespaldas que trabaja para el hijo de un político y que tras un tiroteo huye hacia las más oscuras esquinas de la ciudad.

Este film contemporáneo poco tiene que ver con los trabajos previos de Martin. Dicen quienes siguen de cerca la actualidad del cine filipino (como Robert Koehler) que se trató de un "encargo". Aquí hay una interesante veta documentalista para mostrar las calles de Manila (especialmente de noche) y una puesta en escena casi opuesta al estilo Raya (mucho movimiento de cámara, mucho diálogo, muchas escenas cortas en diferentes locaciones, mucha música moderna). La cámara sigue a un muchacho que trabaja como guardaespaldas del hijo del alcalde, mientras en el medio el conocido Lav Díaz filma una película romántica. Manila tiene ciertos valores y algún que otro hallazgo, pero se parece demasiado a demasiadas películas y eso es preocupante para un cineasta tan distintivo como Martin.

(Miércoles 30, a las 14.30, 17, 19.30 y 22)

Además se exhibirán las siguientes películas no comentadas previamente en este sitio:

-La isla en el fin del mundo (No pongso do tedted no mondo: Ang isla sa dulo ng mundo; 2005, 109'). En este notable y atípico documental antropológico, Raya Martin viaja a la isla de Itbayat, en el extremo norte del archipiélago filipino, para registrar las costumbres de los habitantes y su vida alejada de la civilización moderna. Itbayat está abierta a los visitantes sólo durante el verano; las tormentas de la región aíslan por completo a los isleños el resto del año. La cámara les da la oportunidad de contar sus historias. “Martin va a la biblioteca, a la radio, a una boda, a los campos de labranza, pero pasa la mayor parte del tiempo con los pescadores. Es un inspirado documental antropológico, como si fuera Nanook sin embellecimiento. Lo mejor de Martin, siempre filmando cámara en mano pero con gran virtuosismo, es que se toma todo el tiempo necesario y logra hacerse invisible o ser uno más entre los habitantes de la isla” (Quintín en La lectora provisoria).

(Martes 22, a las 14.30, 17, 19.30 y 22).

-En cartel (Now Showing, 2008, 280’). Rita fue bautizada con ese nombre por su abuela, una ex actriz que solía adorar a la famosa Rita Hayworth. Rita vive en uno de los distritos más antiguos de Manila junto a su madre, una mujer siempre ocupada, y una tía por demás emprendedora. Años más tarde, todavía enamorada de la televisión, Rita ayuda a su tía en un puesto callejero de venta de dvds piratas. En otro lado, sobreviven imágenes de una película realizada antes de la guerra, el clásico filipino Real Mother, estrenada en el año 1939. En cartel, primera parte de una trilogía todavía inconclusa, fue realizada a partir de la estética de los videos hogareños, con sus imperfecciones técnicas y estilo descuidado. El realizador continúa experimentando con la forma y vuelve al pasado del cine filipino como fuente de inspiración.

(Domingo 27, a las 16. Se exhibe con un intervalo).

-Próxima atracción (Next Attraction, 2008, 90'). Coco Martin y Paolo Rivero son dos celebrados jóvenes actores de la escena filipina contemporánea. En el film son contratados para realizar un cortometraje. En la historia de este corto un muchacho escapa de su casa luego de una pelea con su madre. El film lo sigue mientras recorre el centro de Manila, conoce a un hombre y mantiene su primera relación sexual.
Segunda parte (aunque pueden ser vistas independientemente) de la trilogía iniciada con En cartel. Si aquella era un tratado sobre el cine utilizado como diario, Próxima atracción es un making-of, que propone interrogantes acerca de si la película dentro de la ficción se está realmente filmando. Aunque el resultado, en forma de cortometraje, puede verse hacia el final del film, el producto no parece del todo relevante; lo importante es el proceso mismo de realización. No tanto los resultados sino cómo se llega a ellos. (Del catálogo del 38º Festival de Rotterdam).

(Lunes 28, a las 14.30, 17, 19.30 y 22).

-Cortometrajes de Raya Martin (68' en total). Seis cortometrajes dirigidos por el realizador, todos ellos inéditos en la Argentina.

1- La visita (Bakasyon, 2004). Una niña de la gran ciudad es dejada al cuidado de su abuela en el interior de la provincia. Durante su estadía, la joven conoce la misteriosa identidad de la anciana. Este primer trabajo de Raya Martin, realizado a los 20 años, resultó ganador del Premio Ishmael Bernal al Cine Joven en el Festival de Manila. (13’)

2- Infancia en las islas de Filipinas (2005). El encargado de hacer sonar las campanas de la iglesia del pueblo es un joven indio, dividido entre sus obligaciones hacia el estado español y su identidad como filipino. Sus conflictos se expresan a través de diversas situaciones, como un eclipse o la muerte de un niño. (33’)

3- Proyecciones de vida (Life Projections, 2006). Una reflexión acerca del derrame de petróleo de Guimaras, cerca de la costa de Filipinas,en agosto de 2006, el segundo derrame más grande de la historia. En lugar de centrarse en la devastación ambiental y económica, el film explora el dolor y la pérdida humana de esta tragedia, y cómo afectó la vida de muchos filipinos. (4’)

4- ¡Larga vida al cine filipino! (Long Live Philippine Cinema!; 2007). Una sátira dura y burlesca sobre la así llamada Señora del Cine Filipino, la productora chino-filipina Mother Lily, una mujer odiada y temida, a quien nadie puede acercársele. Mother Lily no es una invención metafórica, existe de verdad… por ahora. (6’)

5- Proyecciones de rieles (Track Projections, 2007). El cine, inevitablemente, vuelve una y otra vez a su punto de partida: el tren. La fascinación que los hermanos Lumière mostraron por las máquinas de hierro acercándose rápido a cámara ha ido mutando de forma a lo largo de la historia del cinematógrafo. Raya Martin convierte el movimiento del tren, mediante la pretecnología VHS, en un viaje abstracto en pos de un amor lejano. (6’)

6- Nouvelle Young (2009). Rock’n roll en colores y la Torre Eiffel en blanco y negro. La lluvia, un beso y después… La nouvelle vague como una imagen congelada en la memoria colectiva, pero todavía en movimiento. (5’).

(Martes 29, a las 14.30, 17, 19.30 y 22).

-Manila de noche (Manila By Night – City After Dark; 1980, 150’). Dirección: Ishmael Bernal. La vida nocturna de la gente corriente de Manila al descubierto. Los problemas cotidianos se mezclan con conflictos urbanos como las drogas o la prostitución en una trama episódica que busca mostrar cómo la supervivencia de uno pasa por la degradación del otro. Un clásico del cine filipino que por su vívida violencia y miseria tuvo que retirar de su título original, Manila by Night, la referencia a la ciudad de Manila a instancias de quien después se convertiría en primera dama del país, Imelda Marcos, cambiándose su nombre a City After Dark. En ella se inspiró Raya Martin para rodar su episodio diurno de Manila.

(Jueves 1º, a las 14.30, 18 y 21).

Precio de las localidades: $ 10.- Estudiantes y jubilados $ 5.-

TEATRO SAN MARTÍN - ENCICLOPEDIA ILUSTRADA DEL FILM NOIR - 46 films en la Sala Leopoldo Lugones

El Complejo Teatral de Buenos Aires y la Fundación Cinemateca Argentina han organizado un ciclo denominado Enciclopedia ilustrada del film noir, que se llevará a cabo del jueves 20 de mayo al domingo 13 de junio en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín (Avenida Corrientes 1530). El ciclo estará integrado por 46 largometrajes representativos del nacimiento y apogeo del denominado "cine negro", en el período de oro de Hollywood.
Según el cineasta y teórico Paul Schrader, "el film noir no es un género. No está definido, como lo están géneros como el western, por convenciones de escenario y conflicto, sino más bien por las más sutiles cualidades de tono y atmósfera. El film noir es también un período específico en la historia del cine, como el Expresionismo alemán o la Nouvelle Vague francesa. En general el film noir se refiere a aquellas películas del Hollywood de los años 40 y 50 que presentan un mundo de calles oscuras y mojadas, crimen y corrupción (.) El film noir fue un período inmensamente creativo, probablemente el más creativo de la historia de Hollywood. (.) El film noir parecía sacar lo mejor de todo el mundo: directores, fotógrafos, guionistas, actores. Una y otra vez, un film noir marcará el punto más alto en la carrera de un artista. Algunos directores, por ejemplo, hicieron sus mejores trabajos en el film noir (Robert Siodmak, Raoul Walsh, Henry Hathaway, John Brahm, por citar sólo algunos); otros directores empezaron en el film noir y, en mi opinión, nunca recuperaron su nivel original (Otto Preminger, Robert Wise, John Huston, Robert Aldrich); y otros directores que hicieron obras maestras en otros géneros también realizaron grandes film noir (Orson Welles, Fritz Lang, Howard Hawks, Joseph Losey, Stanley Kubrick)"

La agenda completa del ciclo es la siguiente:

Orígenes y nacimiento del género


Jueves 20: Sólo vivimos una vez
(You Only Live Once; EE.UU, 1937)
Dirección: Fritz Lang.
Con Sylvia Sidney, Henry Fonda, Barton MacLane.
La segunda película dirigida por Fritz Lang en Hollywood narra la historia de un ex-convicto (Henry Fonda) que intenta sin éxito reformarse y vuelve a la cárcel. Su novia (Sylvia Sidney) lo ayudará a escapar. Varios elementos que caracterizarían al cine negro de la década siguiente ya están presentes en esta pesimista historia de amor.
A las 14.30 y 19.30 horas (86')

Altas sierras
(High Sierra; EE.UU., 1941)
Dirección: Raoul Walsh.
Con Ida Lupino, Humphrey Bogart, Alan Curtis.
El gángster Roy Earle (Bogart) sale de la cárcel para colaborar en un asalto y termina siendo víctima de una feroz cacería humana, en un film pleno de acción, que es también un estudio fascinante sobre un hombre al que el tiempo le pasó de largo. Dirigida con intensidad por Raoul Walsh, Altas Sierras marcó el comienzo de una nueva era: la actuación de Bogart marcó la transición de la definida vileza de las películas de gángsters a las áreas existencialmente grises del film noir.
A las 17 y 22 horas (100')

Viernes 21: El halcón maltés
(The Maltese Falcon; EE.UU., 1941)
Dirección: John Huston.
Con Humphrey Bogart, Mary Astor, Gladys George.
Sam Spade, un cínico detective privado, es contratado por una misteriosa dama para investigar el paradero de su hermana, desaparecida tras entablar una relación con un buscavidas británico. Cuando el socio del detective es asesinado, Spade comprenderá que se encuentra envuelto en una peligrosa intriga, relacionada con una valiosísima estatua de oro protegida durante siglos por los Caballeros de Malta. Tercera adaptación cinematográfica del clásico de Dashiell Hammett, El halcón maltés es, según muchos teóricos e historiadores del cine, el puntapié inicial del policial negro norteamericano, además del debut como realizador de John Huston.
A las 14.30 y 19.30 horas (101')

Me despierto gritando
(I Wake Up Screaming; EE.UU., 1941)
Dirección: H. Bruce Humberstone.
Con Betty Grable, Victor Mature, Carole Landis.
La modelo Vicky Lynn es asesinada, y su manager, Frankie Christopher, acusado del crimen. Con la ayuda de la hermana de la muerta, Frankie tratará de descubrir al verdadero culpable. En Me despierto gritando aparecieron por primera vez todas las características estructurales y estilísticas que mejor definen el concepto de film noir: flashbacks sin lógica temporal, búsquedas expresivas de encuadre, utilización dramática de las fuentes de luz y del travelling rápido. Y el siniestro teniente Cornell (Laird Cregar) prefigura al Hank Quinlan de Sombras del mal.
A las 17 y 22 horas (82')

Sábado 22: La senda prohibida
(Johnny Eager; EE.UU., 1941)
Dirección: Mervyn Le Roy.
Con Robert Taylor, Lana Turner, Edward Arnold.
Liz (Lana Turner), la hija de un acaudalado fiscal, se enamora perdidamente de Johnny (Robert Taylor), un gángster inescrupuloso que tiene planes siniestros para ella y su padre. Este film de Mervyn LeRoy (Soy un fugitivo, El pequeño césar) adopta un enfoque mucho más oscuro y crudo que el habitual en un melodrama de la MGM. En el personaje de Van Heflin (que aquí ganó un Oscar) se sugiere un matiz homosexual que resulta sorprendente para un producto de Hollywood de la época.
A las 14.30 y 19.30 horas (107')

Un alma torturada
(This Gun for Hire; EE.UU., 1942)
Dirección: Frank Tuttle.
Con Veronica Lake, Robert Preston, Laird Cregar.
Alan Ladd interpreta a Raven, un asesino a sueldo meticuloso y glacial que busca vengarse del hombre que lo traicionó (Laird Cregar). Perseguido por la policía, se ve obligado a secuestrar a Ellen (Veronica Lake), una hermosa agente secreta. Basada en una novela de Graham Greene y con guión del novelista noir W.R. Burnett, Un alma torturada es una película de acción frenética y ritmo trepidante, casi de serial. El personaje de Raven parece haber influido directamente a Jean-Pierre Melville para El samurai
A las 17 y 22 horas (80')

La consolidación del estilo

Domingo 23: Pacto de sangre
(Double Indemnity; EE.UU., 1944)
Dirección: Billy Wilder.
Con Fred MacMurray, Barbara Stanwyck, Edward G. Robinson.
Walter Neff (Fred MacMurray), investigador de una compañía de seguros, es seducido por la peligrosa rubia Phyllis Dietrichson (Barbara Stanwyck) que planea asesinar a su marido y hacerlo pasar por un accidente. Para la mayoría de los historiadores, Pacto de sangre es el film noir por excelencia, además de una obra maestra absoluta del cine. El guión, basado en la novela de James M. Cain, es del propio Wilder y Raymond Chandler.
A las 14.30 y 19.30 horas (110')

El enigma del collar
(Murder; My Sweet; EE.UU., 1944)
Dirección: Edward Dmytryk.
Con Dick Powell, Claire Trevor, Anne Shirley.
Contra cualquier pronóstico de casting, la estrella de comedias musicales Dick Powell encarna aquí al más famoso de los detectives privados, Philip Marlowe, surgido de la genial pluma de Raymond Chandler. Para muchos especialistas, esta historia policial que tiene como excusa argumental un collar desaparecido, es la quintaesencia del film noir, tanto temática como estilísticamente. Edward Dmytryk utiliza muchos de los procedimientos narrativos e iconográficos (voz en off, flashbacks, fotografía contrastada, luces de neón, bares de mala muerte) que se transformarían en estándares del género y serían reutilizados en decenas de parodias y revisiones posmodernas.
A las 17 y 22 horas (95')

Lunes 24 y
Martes 25: No hay función.

Miércoles 26: Laura
(EE.UU.; 1944)
Dirección: Otto Preminger.
Con Gene Tierney, Dana Andrews, Vincent Price.
Muy poco después de contraer matrimonio con un joven y atractivo conquistador, Laura (Gene Tierney) es asesinada. Conmovido por la belleza de su retrato y las encendidas evocaciones de sus admiradores, el detective encargado del caso, interpretado por Dana Andrews, quedará a su vez irresistiblemente embrujado por la figura de la joven muerta. El austríaco Otto Preminger tuvo su primer gran éxito en la industria de Hollywood (incluidas cinco nominaciones a los Oscar) con este notable ensayo sobre el amour fou que reelabora algunas de las constantes del melodrama gótico en un ambiente urbano y por demás cínico. El resultado es uno de los noirs más influyentes de los años 40.
A las 14.30 y 19.30 (88')

La dama fantasma
(Phantom Lady; EE.UU., 1944)
Dirección: Robert Siodmak.
Con Franchot Tone, Ella Raines, Alan Curtis.
Scott Henderson llega una noche a su casa y encuentra a su mujer asesinada. La policía lo detiene como culpable ya que la coartada de Scott es desmentida por varios testigos. Su secretaria (Ella Raines), convencida de su inocencia, intentará desenmascarar al verdadero asesino. La dama fantasma se basa en una novela de Cornell Woolrich y constituye un ejemplo perfecto de las germánicas búsquedas estéticas que Robert Siodmak aportó al género. La escena de la batería (doblada por Buddy Rich) bien podría considerarse la quintaescencia del cine negro.
A las 17 y 22 horas (87')

Fuerzas oscuras del destino: La influencia germánica

Jueves 27: La mujer del cuadro
(The Woman in the Window; EE.UU., 1944)
Dirección: Fritz Lang.
Con Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey.
Fritz Lang, uno de los principales artífices del cine alemán de los años 20, ligado inexorablemente a las influencias expresionistas, entrega en La mujer del cuadro uno de los policiales negros más oscuros. Con un crimen como origen del relato y una de las femmes fatales más impactantes del género (Joan Bennett), el otrora rey del cine de gángsters Edward G. Robinson interpreta a un honesto hombre de familia que se ve involucrado accidentalmente en una trama pasional de inesperadas consecuencias. El film también puede ser visto como la pesadilla de un burgués, donde la alteración total del orden natural viene dada por un pequeño paso en falso moral. Por cuestiones de censura, el final feliz fue impuesto por el Código de Producción, en pleno apogeo en el año de producción del film.
A las 14.30 y 19.30 horas (107').

Mala mujer
(Scarlet Street; EE.UU., 1945)
Dirección: Fritz Lang.
Con Edward G. Robinson, Joan Bennett, Dan Duryea.
El pintor empobrecido Chris Cross (Edward G. Robinson) es arrastrado al camino de la perdición por la hermosa Kitty (Joan Bennett), que planea enriquecerse con sus cuadros. Lang fue aquí visiblemente influenciado por la película La Chienne de Jean Renoir y logró un film de angustiante y desesperanzada negrura.
A las 17 y 22 horas (103')

Viernes 28: El desvío
(Detour; EE.UU., 1945)
Dirección: Edgar G. Ulmer.
Con Tom Neal, Ann Savage, Claudia Drake.
El pianista Al Roberts se involucra accidentalmente en la muerte de un rico playboy en medio de la ruta. Luego de ocultar el cadáver, Roberts intenta hacerse con el auto y el dinero del muerto, pero las cosas se complican. Trabajando con un presupuesto casi inexistente, Ulmer realizó un compacto noir repleto de imaginación visual y efectos expresionistas. Quizás Detour siga siendo el mejor ejemplo de cómo hacer una película imaginativa sin recursos.
A las 14.30 y 19.30 horas (67')

¿Ángel o Diablo?
(Fallen Angel; EE.UU., 1945)
Dirección: Otto Preminger.
Con Alice Faye, Dana Andrews, Linda Darnell.
Dana Andrews interpreta a un buscavidas que se enamora de Linda Darnell, la moza de una hamburguesería de un pequeño pueblo de California. Para juntar el dinero para casarse, Andrews planea seducir a una rica heredera del pueblo, casarse con ella y luego asesinarla. En muchos sentidos, un film superior a Laura, con una descripción exacta de ambientes y personajes y la cámara de Preminger más fluida que nunca.
A las 17 y 22 horas (98')

La escuela Hard-Boiled: James M. Cain y Raymond Chandler

Sábado 29: El suplicio de una madre
(Mildred Pierce; EE.UU., 1945)
Dirección: Michael Curtiz.
Con Joan Crawford, Jack Carson, Zachary Scott.
La novela de James M. Cain crece con la magnífica puesta en imágenes del húngaro Michael Curtiz, que adereza lo esencialmente californiano de la historia con una serie de búsquedas formales muy europeas en los encuadres y en la iluminación. Joan Crawford ganó un Oscar como Mildred Pierce, la madre que lo sacrifica todo por el amor de su desagradecida hija Veda (Ann Blyth).
A las 14.30 y 19.30 horas (111')

Al borde del abismo
(The Big Sleep; EE.UU., 1946)
Dirección: Howard Hawks.
Con Humphrey Bogart, Lauren Bacall, John Ridgely.
Según Raymond Chandler, Dick Powell fue el actor que más se acercó a la descripción de su personaje, pero la verdad es que Humphrey Bogart ha quedado en el inconsciente colectivo como el mejor Philip Marlowe. En esta obra maestra de Howard Hawks, el detective privado se enfrenta a las letales hermanitas Sternwood (Lauren Bacall y Martha Vickers) en una enrevesada intriga (el mismo Chandler no estaba muy seguro de quién cometió uno de los asesinatos). William Faulkner fue uno de los guionistas.
A las 17 y 22 horas (114')

El estilo semidocumental

Domingo 30: La casa de la calle 92
(The House on 92nd Street; EE.UU., 1945)
Dirección: Henry Hathaway.
Con William Eythe, Lloyd Nolan, Signe Hasso.
Según varias fuentes, la primera película de Hollywood filmada en su totalidad en locaciones reales de Nueva York. El film se basa en hechos reales (una red de espías nazis que intentó robar la fórmula de la bomba atómica) tomados de los archivos del FBI. El uso de la narración en off casi omnipresente y de algunos actores no profesionales, así como el valor dramático de las locaciones, marcó el nacimiento de un nuevo subgénero: el thriller o film noir semidocumental.
A las 14.30 y 19.30 horas (88')

El demonio de la noche
(He Walked by Night; EE.UU., 1948)
Dirección: Alfred Werker y Anthony Mann.
Con Richard Basehart, Scott Brady, Roy Roberts.
Este film clase B describe minuciosamente los métodos y procedimientos de la policía tras la pista de un asesino peligroso (Richard Basehart). El demonio de la noche merece ser vista ante todo por la fotografía de John Alton, un verdadero auteur dentro de su profesión, con un estilo fotográfico inmediatamente reconocible en todas sus películas. El trabajo de Alton aquí es sencillamente prodigioso. Una porción importante del film fue dirigida por Anthony Mann.
A las 17 y 22 horas (79')


Lunes 31: Intolerancia
(The Lawless; EE.UU., 1949)
Dirección: Joseph Losey.
Con Macdonald Carey, Gail Russell, Johnny Sands.
El segundo largometraje de Joseph Losey describe los conflictos sociales y raciales de un pequeño pueblo agricultor de la frontera californiana. Intolerancia sorprende por su extremo realismo, la fuerza de las escenas de masas y la franqueza de su propuesta antirracista. El guión es de Daniel Mainwaring, novelista noir (Traidora y mortal) que, como Losey, también fue incluido en las listas negras de Hollywood. Viendo esta película no resulta difícil ver por qué.
A las 14.30 y 19.30 horas (83')

Pánico en las calles
(Panic in the Streets; EE.UU., 1950)
Dirección: Eliza Kazan.
Con Richard Widmark, Paul Douglas, Barbara Bel Geddes.
Jack Palance (en su debut) interpreta a Blackie, un desequilibrado matón que asesina brutalmente a un hombre infectado con una peligrosa peste bubónica. La policía y el Servicio de Salud Pública de Nueva Orleans tienen 48 horas para encontrar al nuevo portador de la peste antes de que se transforme en epidemia. Elia Kazan se libera aquí del academicismo de sus películas anteriores y logra la que quizás sea su obra más puramente cinematográfica, un thriller de intensa acción física y sostenido suspenso.
A las 17 y 22 horas (96')

Film Noir en Technicolor

Martes 1°: Que el cielo la juzgue
(Leave Her to Heaven; EE.UU., 1945)
Dirección: John M. Stahl.
Con Gene Tierney, Cornel Wilde, Vincent Price.
El novelista Richard Hartland (Cornel Wilde) se enamora de la hermosa Ellen (Gene Tierney en su apogeo fotogénico), pero las cosas no son fáciles ya que Ellen está aun más enamorada de Richard y no permitirá que nadie, ni el hermano discapacitado de Richard ni el propio hijo que lleva en su vientre, se interpongan entre ellos. Muchos críticos coinciden en que Gene Tierney es la mejor candidata a la femme fatale más fatal de la historia del cine. La fotografía technicolor de Leon Shamroy es absolutamente deslumbrante.
A las 14.30 y 19.30 horas (110')

La hija del pecado
(Desert Fury; EE.UU., 1947)
Dirección: Lewis Allen.
Con John Hodiak, Lizabeth Scott, Burt Lancaster.
Paula Haller (Lizabeth Scott) es la infeliz hija de Fritzi (Mary Astor), la dueña de un casino en el desierto de Nevada. La situación mejora (o no) para Paula cuando se enamora perdidamente de Eddie (John Hodiak), un hombre misterioso, antiguo amante de su madre, que bien podría ser un psicópata. Melodrama noir de pasiones desatadas, bastante adelantado a su época (en especial en las extrañas relaciones entre John Hodiak y Wendell Corey).
A las 17 y 22 horas (96')

El flashback como laberinto

Miércoles 2: El medallón
(The Locket; EE.UU., 1946)
Dirección: John Brahm.
Con Laraine Day, Brian Aherne, Robert Mitchum.
Laraine Day interpreta a una cleptómana y mentirosa patológica, traumatizada por un incidente de su infancia, que impulsa al suicidio a los hombres alrededor de ella. Realizada con gran fuerza expresiva por el alemán John Brahm y el director de fotografía Nicholas Musuraca, este film es también un prodigio de construcción de guión como no se había visto desde El ciudadano, basado en tres flashbacks imbricados ente sí que terminan finalmente formando una rueda. Una película a redescubrir.
A las 14.30 y 19.30 horas (85')

Traidora y mortal
(Out of the Past; EE.UU., 1947)
Dirección: Jacques Tourneur.
Con Robert Mitchum, Jane Greer, Kirk Douglas.
Un detective retirado vive con un nombre falso en una pequeña localidad, enamorado de la pesca y de una jovencita con la que quiere casarse. Sin embargo, un viejo conocido acude al lugar anunciándole que el jefe quiere verlo, por lo que se ve obligado a contarle a su novia su turbio pasado. Protagonizada por un durísimo Robert Mitchum, Jane Greer como la peligrosa mujer fatal y un joven Kirk Douglas, este film de Jacques Tourneur se ha transformado con el correr de los años en un noir arquetípico, muchas veces imitado y casi nunca igualado.
A las 17 y 22 horas (97')

La Era McCarthy

Jueves 3: Encrucijada de odios
(Crossfire; EE.UU.; 1947)
Dirección: Edgard Dmytryk.
Con Robert Young, Robert Mitchum, Robert Ryan.
Un grupo de soldados recién llegados del frente ayuda a la policía a encontrar a un asesino antisemita en el transcurso de una noche. Un excelente guión (basado en una novela del futuro realizador Richard Brooks) y una sólida dirección hacen de Encrucijada de odios una de las mejores películas antirracistas de Hollywood. Tanto el director Dmytryk como el productor Adrian Scott serían incluidos en las listas negras y luego encarcelados por negarse a testificar ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas.
A las 14.30 y 19.30 horas (86')



Traicionado
(The Woman On Pier 13 / I Married a Communist; EE.UU., 1949)
Dirección: Robert Stevenson y Nicholas Ray.
Con Laraine Day, Robert Ryan, John Agar.
Brad Collins (Robert Ryan) ha decidido dejar atrás su pasado comunista y se prepara a emprender una nueva vida de burgués junto a su esposa Nan (Laraine Day). Pero los siniestros "rojos" no lo dejarán tan fácilmente. Delirante panfleto anticomunista, realizado por el mismo estudio (RKO) y con el mismo protagonista de Encrucijada de odios pero políticamente en las antípodas de ese film. Varios directores se negaron a hacer esta película y subsecuentemente fueron incluidos en las listas negras. Algunas escenas fueron dirigidas por Nicholas Ray.
A las 17 y 22 horas (73')

La figura del psicópata

Viernes 4: El beso de la muerte
(Kiss of Death; EE.UU.; 1947)
Dirección: Henry Hathaway.
Con Victor Mature, Brian Donlevy, Richard Widmark.
El ladrón Nick Bianco (Victor Mature) es encarcelado después de un robo a una joyería. Nick se niega a delatar a sus cómplices pero, al suicidarse su mujer y quedar huérfanas sus hijas, cambia de opinión. Ahora el problema es que ha delatado a Tommy Udo. Y Tommy Udo es Richard Widmark, en un debut que dejaría más que una huella, casi una cicatriz. Hathaway vuelve a demostrar su maestría en el uso de locaciones reales y en el manejo de la tensión y la violencia. La famosa escena de Widmark acosando a una anciana en silla de ruedas es de un sadismo sin precedentes en el cine norteamericano.
A las 14.30 y 19.30 horas (98')

Pacto siniestro
(Strangers on a Train; EE.UU., 1951)
Dirección: Alfred Hitchcock.
Con Farley Granger, Ruth Roman, Robert Walker.
Un campeón de tenis llamado Guy (Farley Granger) y un hombre rico, Bruno (Robert Walker), coinciden en un viaje en tren. El segundo conoce al dedillo todos los detalles de la vida personal del tenista, entre otras cosas, que desea divorciarse de su mujer, para lo que le propone una imprevista solución: intercambiar asesinatos. Bruno matará a la mujer de Guy y, a cambio, éste hará lo mismo con el padre de Bruno para poder disfrutar de la herencia. Adaptación de una novela de Patricia Highsmith, Pacto siniestro acercó nuevamente a la filmografía de Hitchcock la figura del asesino psicópata, en el marco de un film de suspenso magistralmente dosificado.
A las 17 y 22 horas (101')





Experimentos creativos

Sábado 5: La senda tenebrosa
(Dark Passage; EE.UU., 1947)
Dirección: Delmer Daves.
Con Humphrey Bogart, Lauren Bacall.
Famosa por su experimentación con la cámara subjetiva, que ocupa los primeros veinte minutos del film, La senda tenebrosa es el tercer largometraje protagonizado por Bogart y su mujer Lauren Bacall. Bogey es Vincent Parry, un hombre que ha sido encarcelado injustamente por el supuesto asesinato de su mujer. Luego de escapar de la prisión decide cambiar su rostro mediante una cirugía estética mientras intenta demostrar su inocencia. Una atractiva y desconocida mujer cuyo padre fue también víctima de una injusticia le prestará ayuda.
A las 14.30 y 19.30 horas (106')

El reloj asesino
(The Big Clock; EE.UU., 1948)
Dirección: John Farrow.
Con Ray Milland, Charles Laughton, Maureen O'Sullivan.
George Stroud (Ray Milland) es el editor de una sensacionalista revista de crímenes. Después de que su jefe (Charles Laughton) mata accidentalmente a la amante de ambos, George descubre que todas las pistas lo incriminan a él como el asesino. El reloj asesino constituye uno de los desafíos técnicos más audaces del cine clásico, ya que se necesitaron construir decorados y grúas especiales para hacer posibles los extravagantes movimientos de cámara. El director John Farrow hace gala de un virtuosismo que prefigura al de Brian De Palma.
A las 17 y 22 horas (95')

Domingo 6: El luchador
(The Set - Up; EE.UU., 1949)
Dirección: Robert Wise.
Con Robert Ryan, Audrey Totter, George Tobias.
Todo el mundo parece creer que Stoker es un boxeador acabado. Así lo creen los apostadores, su novia, sus colegas e incluso su manager. Cuando un gángster le ofrece a éste último una coima para que Stoker se deje ganar, la cobra y no le parece necesario hablar con su representado: está convencido de que cualquier triunfo es imposible. Narrada en tiempo real y en apenas un par de escenografías opresivas, este gran exponente del film noir, con sus personajes heridos por el fracaso y la falta de perspectivas, es tal vez el mejor largometraje del realizador Robert Wise.
A las 14.30 y 19.30 horas (72')

El ladrón
(The Thief; EE.UU., 1952)
Dirección: Russel Rouse.
Con Ray Milland, Martin Gabel, Harry Bronson.
Ray Milland interpreta a un físico nuclear perseguido por el FBI y por agentes soviéticos en plena guerra fría. Esta película tiene una característica que la hace absolutamente única: no hay ni una sola palabra de diálogo. Parece algo imposible, pero se pudo hacer gracias a una inteligente utilización dramática del sonido y la modernísma actuación de Milland.
A las 17 y 22 horas (85')

El amor en fuga

Lunes 7: Los amantes de la noche
(They Live by Night; EE.UU., 1948)
Dirección: Nicholas Ray.
Con Cathy O'Donnell, Farley Granger, Howard Da Silva.
La ópera prima de Nicholas Ray cuenta la historia de Bowie y Keechie (Farley Granger y Cathy O'Donnell), dos jóvenes enamorados y fugitivos de la ley durante la era de la Depresión. Una película de hermosa fuerza poética. La sensibilidad y el romanticismo desesperado característicos del universo de Ray ya están aquí presentes en estado puro.
A las 14.30 y 19.30 horas (95')

Vivir para matar
(Gun Crazy; EE.UU., 1949)
Dirección: Joseph H. Lewis.
Con Peggy Cummins, John Dall, Berry Kroeger.
Un veterano de la Segunda Guerra Mundial, emocionalmente desequilibrado y obsesionado desde niño con las armas, conoce a una mujer que, dejándose llevar por sus instintos, lo arrastra a un camino criminal sin retorno. Unidos por su afición a las armas, la relación de la pareja desemboca, entre atraco y atraco, en un torbellino de pasiones y situaciones peligrosas. Muchos años antes de Bonnie y Clyde, este film de Joseph H. Lewis pone en pantalla a una pareja de apasionados ladrones de bancos. La famosa secuencia del robo fue filmada en una sola toma y ya forma parte de la antología de grandes secuencias de atracos de la historia del cine.
A las 17 y 22 horas (86')

Testigos en peligro

Martes 8: La ventana
(The Window; EE.UU.; 1949)
Dirección: Ted Tetzlaff.
Con Barbara Hale, Arthur Kennedy, Paul Stewart.
Un niño mentiroso es testigo de un asesinato en el departamento de sus vecinos. La situación se transforma en una pesadilla ya que nadie, ni sus padres ni la policía, le cree. excepto los asesinos. Ted Tetzlaff, antiguo director de fotografía de Hawks y Hitchcock, demuestra un agudo sentido visual y economía narrativa en esta angustiante película de suspenso. La historia tiene ciertas semejanzas con La ventana indiscreta, también basada en un relato de Cornell Woolrich.
A las 14.30 y 19.30 horas (73')


El tren de la muerte
(The Narrow Margin; EE.UU., 1952)
Dirección: Richard Fleischer.
Con Charles McGraw, Marie Windsor.
Uno de los grandes noirs clase B, El tren de la muerte se centra en el detective Walter Brown (Charles McGraw), quien tiene la misión de acompañar a la esposa de un líder de la mafia para testificar ante un gran jurado. La mala relación entre ambos no facilitará la tarea de escapar de dos killers que han subido al tren con el objetivo de eliminar a la testigo. Gracias al notable éxito de este film, Richard Fleischer dejó de ser un simple director de films de bajo presupuesto y comenzó a trabajar en proyectos de mayor envergadura.
A las 17 y 22 horas (71')

Prision Noir

Miércoles 9: Amarga condena
(Caged; EE.UU., 1949)
Dirección: John Cromwell.
Con Eleanor Parker, Agnes Moorehead, Ellen Corby.
Intenso drama que describe la transformación que sufre Marie Allen (Eleanor Parker) desde el momento en que es detenida como cómplice de un robo. De ahí en adelante las cosas irán de mal en peor. Amarga condena fue una de las primeras películas sobre el tema de la cárcel de mujeres y, sorprendentemente, es mucho más cruda, violenta y descarnada que cualquier película de cárcel de hombres. La matrona que interpreta Hope Emerson acerca la película al cine de terror más que al film noir.
A las 14.30 y 19.30 horas (96')

Rebelión en el presidio
(Riot in Cell Block 11; EE.UU., 1954)
Dirección: Don Siegel.
Con Neville Brand, Emile Meyer, Frank Faylen.
El famoso productor Walter Wanger (Sólo vivimos una vez, Mala mujer) fue encarcelado por disparar al amante de su esposa, la actriz Joan Bennett, y cuando salió se propuso rodar una película en una cárcel de verdad, utilizando presos y carceleros auténticos como actores secundarios, con el fin de denunciar las inhumanas condiciones de vida que acababa de presenciar. El resultado fue Rebelión en el presidio, una de las mejores películas del maestro Don Siegel (Harry, el sucio, La invasión de los ladrones de cuerpos).
A las 17 y 22 horas (80')

Corrupción policial

Jueves 10: Cuando termina el camino
(Where the Sidewalk Ends; EE.UU., 1950)
Dirección: Otto Preminger.
Con Dana Andrews, Gene Tierney, Gary Merrill.
El brutal policía Mark Dixon (Dana Andrews) accidentalmente mata a golpes a un sospechoso de asesinato. Decide resolver la situación incriminando a un psicótico gángster (Gary Merrill) al que odia. Un thriller realmente moderno en su descripción de la policía, soberbiamente dirigido por Preminger.
A las 14.30 y 19.30 horas (95')

Los sobornados
(The Big Heat; EE.UU., 1953)
Dirección: Fritz Lang.
Con Glenn Ford, Gloria Grahame, Jocelyn Brando.
Dave Bannion (Glenn Ford) es un policía duro pero honesto, obsesionado con desenmascarar una red de mafiosos que controla parte de la policía. Después de que su mujer (interpretada por la hermana de Marlon Brando, Jocelyn) es asesinada, la sed de venganza de Bannion no tendrá límites. Un auténtico clásico de Fritz Lang. La escena en que Lee Marvin arroja café hirviendo a la cara de Gloria Grahame es de una violencia que aún hoy impresiona.
A las 17 y 22 horas (89')

Caper Noir: Atracos (casi) perfectos

Viernes 11: Mientras la ciudad duerme
(The Asphalt Jungla; EE.UU., 1950)
Dirección: John Huston.
Con Sterling Hayden, Louis Calhern, Jean Hagen.
La planificación meticulosa del atraco a una joyería le sirve a John Huston para ofrecer un realista estudio de un puñado personajes y sus motivaciones. Sin lugar a dudas, una de los mejores películas del cine negro de todos los tiempos, con un gran Sterling Hayden y una seductora y jovencísima Marilyn Monroe. Obra maestra del caper, el film de atracos perfectos (aunque no tan perfecto en este caso), Mientras la ciudad duerme es a los años '50 lo que El halcón maltés había sido para los '40: una de las películas más influyentes e imperecederas de su época. Ambas fueron, no casualmente, dirigidas por John Huston.
A las 14.30 y 19.30 horas (112')

Casta de malditos
(The Killing; EE.UU., 1956)
Dirección: Stanley Kubrick.
Con Sterling Hayden, Coleen Gray, Vince Edwards.
Un grupo de hombres planea un robo a un hipódromo, a ejecutarse durante una importante carrera de caballos. Stanley Kubrick, en su segundo largometraje, juega con la cronología de los acontecimientos para examinar el fracaso del plan criminal, transformando a sus personajes en simples marionetas de un mecanismo creado, paradójicamente, por ellos mismos, pero que escapa por completo a su control. Junto con Mientras la ciudad duerme, uno de los grandes films de atracos condenados al fracaso.
A las 17 y 22 horas (85')

El oscuro mundo del periodismo

Sábado 12: Página negra
(Scandal Sheet; EE.UU., 1952)
Dirección: Phil Karlson.
Guión: Samuel Fuller.
Con Broderick Crawford, Donna Reed, John Derek.
Broderick Crawford es Mark Chapman, el editor de un importante diario. Una noche, Chapman causa accidentalmente la muerte de su ex esposa. Luego deberá protegerse de sus propios periodistas, que buscan descubrir al asesino. Página negra se basa en una novela de Samuel Fuller (que había sido periodista en su juventud) y está a la misma altura que cualquier película dirigida por Fuller, lo cual es mucho decir.
A las 14.30 y 19.30 horas (82')

La caída de un ídolo
(The Harder They Fall; EE.UU.; 1956)
Dirección: Mark Robson.
Con Humphrey Bogart, Rod Steiger, Jan Sterling.
En su última película, Humphrey Bogart interpreta a Eddie Willis, un fatigado periodista deportivo enfrentado con el inescrupuloso mánager de boxeo Nick Benko (Rod Steiger). El guión es del mismo autor de Nido de ratas, Budd Schulberg. Las escenas en el ring de boxeo están entre las mejores de su tipo e influyeron especialmente a Martin Scorsese en Toro salvaje.
A las 17 y 22 horas (109')


Las últimas obras maestras del Film Noir

Domingo 13: El beso mortal
(Kiss Me Deadly; EE.UU., 1955)
Dirección: Robert Aldrich.
Con Ralph Meeker, Albert Dekker, Paul Stewart.
El detective privado Mike Hammer conduce una noche por una carretera desierta y se encuentra con una rubia descalza e histérica que insiste en que unos asesinos la persiguen. Tal es el punto de partida de esta violenta adaptación del popular pulp writer Mickey Spillane, considerada por muchos como el film noir definitivo de la década del 50. Fue además una de las películas más celebradas por la Nueva Ola francesa.
A las 14.30 y 19.30 horas (104')

Sombras del mal
(Touch of Evil; EE.UU., 1958)
Dirección: Orson Welles.
Con Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles.
Un agente de la policía de narcóticos llega a la frontera mexicana con su nueva esposa justo cuando explota una bomba. El policía decide emprender la investigación con el apoyo del jefe local, el obeso Quinlan, muy reputado en la región por sus métodos, pero un hombre ávido y brutal. Una lucha feroz se desatará entre los dos hombres. Para muchos historiadores, la piedra final en la trayectoria del film noir clásico. Orson Welles, en su doble rol de director y responsable de dar vida al villano titular, entrega una de sus obras maestras, un film oscuro y pesimista que transcurre en un lugar demasiado parecido al infierno. Completa el elenco una irreconocible Marlene Dietrich.
A las 17 y 22 horas (95')

Todos los films se exhiben en formato dvd, salvo Sólo vivimos una vez e Intolerancia, que se verán en copias de archivo en 35 y 16mm, respectivamente.

Este ciclo no habría sido posible sin la colaboración de Pablo Monteagudo Tejedor, a quien corresponden los agradecimientos de rigor.


Informamos que las localidades para la Sala Leopoldo Lugones podrán adquirirse personalmente con seis días de anticipación (incluyendo el día de la función) en las boleterías del Teatro San Martín.


Precio de las localidades en la Sala Leopoldo Lugones $ 10.- Estudiantes y jubilados $ 5.- (Los interesados deberán tramitar su credencial de descuento en el 4° piso del Teatro San Martín, de lunes a viernes de 10 a 16 horas.)